(English translation in black)

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Plus que quelques semaines avant la fin de cette dernière année de BAC. Voici une petite rétrospective des étapes que j’ai suivi dans mon processus de création. Je vous fais une version rapide et simplifiée des écrits que je dois soumettre en lien avec ce projet par rapport à la contextualisation de mon travail. Première étape: pour déjouer l’égo et entrer en contact avec une partie plus universelle de mon être, chaque séance de peinture a été débutée par une méditation, suivie d’une intention de canaliser des énergies d’amour, de service et d’unité. Durant tout le processus de peinture, mon attention devait rester neutre face au résultat. J’ai appris à me contrôler pour ne pas contrôler ce qui se passait sur l’oeuvre en devenir. Plusieurs techniques et l’insertion de beaucoup d’eau m’ont obligé à rester détachée de ce résultat. Le petit vidéo montre les premières créations faites avec ce processus. Considérant la quantité de sessions de peinture et les différentes couches que certains supports ont reçu, je ne suis pas certaine quelles sont les oeuvres terminées montrées dans ce vidéo.

Only a few more weeks before the end of this chapter (last year of my degree). Here is a short summary of the steps I followed in my process making. This is a short version of the written works I have to submit regarding the contextualization of my work. First Step: to remove myself from the ego and connect with a more universal part of my being, each painting session started with a meditation followed by an intention to channel energies of love, service and unity. During the making process, my attention had to stay neutral regarding the result. I learnt to control myself not to control what was happening on the support. Many techniques and a lot of water constrained me to remain detached from the result. The short video illustrates my first painting sessions. Considering the amount of painting sessions and the many layers applied on some supports, I’m not sure which final works are actually shown in this video.

Deuxième étape: En prenant des photos pour enregistrer chaque étape de mon processus (ma première idée étant d’illustrer la transformation d’une peinture en analogie avec la transformation humaine), je me suis rapidement aperçu que des choses extraordinaires se passaient sur le surface et j’ai commencé à photographier chaque événement que je trouvais intéressant, consciente que ma prochaine étape de création allait sûrement la modifier. Des milliers de photos ont été prises durant ce projet. Si vous avez suivi mon blog, vous en avez déjà vu plusieurs. Voici une de mes favorites.

Second step: While taking photographs to record each step of my process – my first idea was to illustrate transformation, using a work as an analogy for the human life – I quickly realized that amazing things were happening on the surface, so I started to record them, aware that my next painting step would probably modify them. Thousands of pictures have been taken during this project. If you have followed my blog for a while, you have seen a selection of those pictures. Here is one of my favorites:

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Troisième étape: Le lendemain d’une session de peinture, la surface avait séché, laissant souvent de la texture à cause des différentes densités de peintures. Le résultat était presque explosif, montrant une quantité de détails intéressants. Ma tutrice m’a rapidement fait remarqué que lorsqu’une oeuvre a plus de deux ou trois ‘moments forts’, leurs beautés s’annulent. En faisant de la recherche sur une artiste, dont l’oeuvre avait été décrite utilisant un vocabulaire résonant tout à fait avec ma démarche, je suis tombée sur une de ses séries utilisant du masquage pour faire ressortir que quelques éléments intrigants. J’avais trouvé ma réponse. Ci-dessous, Bare Bones de Thérèse Oulton, suivi de Several Circles par Wassily Kandinsky et de mon intégration des deux dans mon travail. À noter que j’ai commencé par utiliser le cercle pour sa symbolique métaphysique et que j’ai lentement fait une transition vers des formes plus abstraites, car tout le monde se limitait à voir des planètes dans mon travail.

Third step: The day after a painting session, the surface has dried, often with texture because of the variety of paint densities used during the process. The outcome was almost explosive, showing so many interesting details. My tutor adviced me that when a work has more than a few strong areas, those areas cancelled each other and the work becomes weaker. Following a research about an artist, which work was described in a very interesting way in regard of my own process, I found one of her series using white masking revealing only intriguing areas. I had found my answer. Below, Therese Oulton’s work Bare Bones, followed by Kandinksy’s work Several Circles, and then my own mix of those works. I started to use the circles for their metaphysic symbolism, but I shifted slowly towards more abstract shapes, as everybody limited themselves to see planets in my work.

Ref images: Oulton, Thérèse. « Bare Bones ». Oil on linen. 2003. Accessed March 11, 2017. http://thereseoulton.com/portfolio/exhibitions/lines-of-flight/.  Vasily Kandinsky, Several Circles, 1926. Oil on canvas. Solomon R. Guggenheim Museum, http://www.theartstory.org/artist-kandinsky-wassily-artworks.htm#pnt_6 Accessed August 26, 2017

Quatrième étape: créer un ensemble fait de plusieurs oeuvres, pour représenter le microcosme dans le macrocosme. Idée qui m’était venue à la suite d’une visite à une galerie de Wellington où j’avais vu The Conquest of Space de Imants Tillers (image ci-dessous). Évidemment, mon travail ne pouvait pas se placer comme le sien pour former une image. L’utilisation de l’espace négatif (mur blanc), tout comme la couche de masquage, était un élément très important dans la composition de mon installation. Ci-dessous, un aperçu de mon travail d’installation.

Fourth step: create a compostion made of several works to represent the microcosm in the macrocosm. I had that idea after seing Imants Tillers’ work The Conquest of Space at the City Gallery in Wellington (image below). Of course, my work couldn’t be layed out like his. The use of negative space (white wall), like the white masking layer, was really important to give a space to each work of the composition. Here is below the resulting installation.

Ref images: Imants Tillers, The Conquest of Space, 1987, Roslyn Oxley9 Gallery, Sydneyhttp://citygallery.org.nz/sites/default/files/1115-Dashper-Publication-Web-reduced.pdf Accessed April 15, 2017.

Durant tout le processus, j’ai fait de la recherche sur d’autres artistes connus pour essayer de me positionner parmi mes pairs. Une de mes conclusions a été que le contenu de mon travail reprenait les idéaux des premiers peintres faisant de l’abstraction (Kandinsky, Mondrian, Pollock). Par contre, mes techniques de peinture sont davantage contemporaines. Comme beaucoup d’artistes abstraits, j’utilise la chance. Aussi, You Tube recèle de démonstrations de techniques. J’ai aimé apprendre sur le processus de création des artistes suivants: Rothko, Callen Schaub, Frank Dale, Bernard Frize et Rosemarie Fiore. L’une des premières choses que j’ai appris en étudiant la post-modernité, est que plus rien n’est original et que tout a déjà été fait. Tout ce qu’on peut offrir, c’est notre version personnelle de la réinterprétation du passé. J’espère toutefois que mon travail permettra également une réinterprétation du futur, afin que nous trouvions des solutions pour plus harmonie avec nous-mêmes, les autres gens et les autres règnes. Merci de m’avoir suivi jusque ici et je compte sur vous pour le reste de l’aventure, car ce n’est qu’un début.

All along my process, I was researching other artists to position myself among my peers. One of my conclusions has been that my work contains the same ideology than the early abstractionists (Kandinsky, Mondrian and then Pollock). But, my painting techniques relates to contemporary practices. As many abstract artists, I use chance in my process. Also, You Tube has been quite useful to learn new painting techniques. I loved to learn about other artists’ processes. Especially: Rothko, Callen Schaub, Frank Dale, Bernard Frize et Rosemarie Fiore. One of the first thing I learnt, while studying Postmodernity, was that nothing made today is original, everything has already being done. All that we can do is to offer our own new interpretation of the past. I hope that my work is also offering a new interpretation of the future, so we can find harmony in ourselves, with the rest of humankind and all the different planetary realms. Thanks for having followed me until now and I’m counting on you for the rest of my journey, as this is only the beginning.

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